To be in touch with the earth and to enter within it is to be in touch with what constitutes and nourishes us; the bedrock where life develops while it is inhabited by the soul.
—Delcy Morelos

Over a 30-year practice grounded in abstraction, Morelos has worked across painting, sculpture, and installation. Employing earth as her primary material for over a decade now, she constructs encompassing environments of geometrically abstract forms and dispersions. Morelos makes muds from locally and regionally sourced soils and clays, attending as much to formal characteristics such as color and texture as to organic properties related to soil health, and uses them as paints and sculptural material. Drawing on the cosmologies of ancestral cultures, Andean and Amazonian as well as her own, Morelos’s work explores the sustaining power of mud in its many forms—as a source of life and sustenance.

“There is a difference between seeing and entering. When you enter, you experience. Like in a symbiotic relationship, you allow yourself to be permeated by that which you are permeating.” Morelos’s preoccupation with mud is an extension of her intermedial interest; fixed boundaries dissolve just as water seeps and earth absorbs becoming mud. This wetness is maternal, amnionic, in the words of Morelos’s teacher and Uitoto elder Isaías Román: a space of transformation, possibility, and precarity. For Dia Chelsea, the artist created two immersive, multisensory installations—Cielo terrenal (Earthly Heaven, 2023) and El abrazo (The Embrace, 2023)—where surface and volume converge and collapse through monochromatic expanse and material accumulation, proposing shifting encounters with earth as subject and medium.

In the first installation, Cielo terrenal, portions of the walls and floor are coated with a mixture of soil from the Black Dirt Region of the Hudson Valley, near Dia Beacon, distinguished by its rich black color and considered among the most fertile in the United States. This installation is the latest in Morelos’s ongoing series of earth-lined rooms which render the monochrome architectural while addressing the cyclical relationships between water and land. The dark substance rises against the walls to about four feet; the horizon line created by this mud-paint echos the high-water mark left in the wake of Hurricane Sandy in 2012 when the Hudson River flooded the empty galleries. Within this cavernous setting, a vast arrangement of stacks and loose piles suggests the topography of an exposed riverbed, cultivated farmland, or an archeological excavation. These accumulations consist of salvaged materials from past Dia installations that have also been painted with soil, alongside black ceramics that were made in the Amazonas and Tolima departments of Colombia using an ancestral open-fire technique. The ceramics recall cleaving cells, root vegetables, and animal droppings. Together, these recurring forms evoke the industrialized logic of Minimalism, while also reminding us, as Morelos likes to point out, that “death fertilizes life,” a process beginning where water meets earth.

Morelos’s second installation, El abrazo, consists of a vast earthen monolith that hovers above the ground and pushes against the ceiling. El abrazo draws on the visual language of religious structures such as mastabas, temples, and ziggurats, as well as the mountainous topographies that inspire these forms. The work also recalls iconic Minimal sculptures that have their own complex relationships to ritual architecture, such as the alternating containment and openness of Richard Serra’s three Torqued Ellipses (1996–1997), first shown at Dia Chelsea 26 years ago; Michael Heizer’s geometric depressions, North, East, South, West (1967/2002), on permanent view at Dia Beacon; and particularly Walter De Maria’s The New York Earth Room (1977), a permanent site commissioned and maintained by Dia. While in De Maria’s installation a glass wall contains the earth and holds it at bay, creating a single perspectival view and preventing the loose organic matter from spilling into the space of the “spectator,” El abrazo brings the body into immediate contact with the material. In doing so, it collapses boundries between subject and object, highlighting the agency of both human and non-human matter, and their potential for reciprocity.

In a text accompanying the exhibition (see “Instructions to touch the earth” on the reverse of this brochure), Morelos invites visitors to gently caress the surfaces of El abrazo, and to note that “to touch the earth is to be touched by her.” The sensuality of this encounter is heightened by the fragrant aroma emanating from the earth, which the artist has enriched with cinnamon and clove (both used for their natural antifungal properties), in addition to copaiba, a medicinal tree extract commonly used in the Amazon, and other accents. In this regard, Morelos’s work disrupts sensory hierarchies that privilege sight as a basis of knowledge over senses such as smell and touch. El abrazo is built with clay from Dia Beacon, recycled garden soil, hay, and coir. Conceived as a shrine to peat, the work uses sustainably sourced materials to evoke the smell and feel of this vital yet vulnerable resource in the fight against climate change. Peatlands are sentient accumulations of fermenting organic matter that are uniquely effective at trapping carbon. Rich in nutrients, peat is used as heating fuel and in commercial gardening, but the mining of it permanently damages bogs and releases their stored carbon. While Morelos’s work may formally engage with the legacy of Land art, gesturing towards its vocabulary of geometric abstraction, it reorients considerations of land and site toward embodied forms of material and ecological knowledge. In doing so, Morelos aims to cultivate moments of connection with what she describes as the “intimate humidity of the earth.”

Estar en contacto con la tierra y adentrarse en ella, es estar en contacto con aquello que nos conforma y nos nutre; es el cimiento en donde se desarrolla la vida mientras la habita el alma.
—Delcy Morelos

A lo largo de una práctica de treinta años fundamentada en la abstracción, Morelos ha trabajado la pintura, la escultura y la instalación. Desde hace más de una década utiliza la tierra como su principal material, construyendo con ella entornos envolventes de formas geométricamente abstractas y dispersiones. Morelos elabora lodos a partir de tierras y arcillas locales y regionales, atendiendo características formales —como el color y la textura—, tanto como propiedades orgánicas relacionadas con la calidad de la tierra, y utilizándolas como pintura y material escultórico. Partiendo de las cosmologías ancestrales de las culturas andinas y amazónicas, así como la suya propia, la obra de Morelos explora el poder sustentador del lodo en múltiples formas; como fuente de vida y sustento.

“Hay una gran diferencia entre ver y entrar. Cuando entras, experimentas. Como en una relación simbiótica, te dejas penetrar por lo que estás penetrando.” La preocupación de Morelos por el lodo es una extensión de su interés intermedial; las fronteras fijas se disuelven, del mismo modo que el agua se filtra y es absorbida por la tierra para crear lodo. Hay algo maternal en esta humedad, algo amniótico; en palabras del sabedor uitoto y maestro de Morelos, Isaías Román: es un espacio de transformación, de posibilidad y precariedad. Para Dia Chelsea, la artista creó dos instalaciones inmersivas multisensoriales —Cielo terrenal (2023) y El abrazo (2023)—, en las que la superficie y el volumen confluyen y colapsan por medio de la expansión monocromática y la acumulación material, proponiendo así, encuentros cambiantes con la tierra como sujeto y medio.

En la primera instalación, Cielo terrenal, secciones de los muros y del piso fueron recubiertas con una mezcla de tierra de la región Black Dirt en el Valle de Hudson, cerca de Dia Beacon, misma que —como indica su nombre en inglés— se distingue por su color negro obscuro y es considerada una de las tierras más fértiles de Estados Unidos. Esta es la más reciente instalación de una serie en curso de Morelos, en la que reviste salas de exposición con tierra haciendo de lo monocromático algo arquitectónico, al tiempo que aborda las relaciones cíclicas entre la tierra y el agua. La sustancia oscura se eleva más de un metro contra los muros; la línea del horizonte que crea esta pintura de lodo hace eco con la marca de agua que quedó registrada en las salas de exhibición vacías tras las inundaciones del río Hudson causadas por el Huracán Sandy en 2012. Dentro de este entorno cavernoso, un gran despliegue de pilas y montones sueltos —conformados por materiales recuperados de instalaciones anteriores de Dia que también han sido pintados con tierra, así como de piezas de cerámica negras elaboradas en los departamentos colombianos de Amazonas y Tolima, usando una técnica ancestral de fuego abierto—, sugieren la topografía de un lecho de río expuesto, de tierras de cultivo o de una excavación arqueológica. Las cerámicas traen a la mente células en proceso de escisión, tubérculos y excrementos de animales. En conjunto, estas formas recurrentes evocan la lógica industrializada del minimalismo, al tiempo que nos recuerdan, como bien le gusta señalar a Morelos, que “la muerte fertiliza a la vida”, un proceso que comienza cuando el agua se encuentra con la tierra.

El abrazo, la segunda instalación de Morelos, consiste en un enorme monolito de tierra que se alza sobre el suelo hasta empujar el techo. Toma como referencia el lenguaje visual de estructuras religiosas tales como las mastabas, los templos y los zigurats, así como las topografías montañosas que inspiran estas formas. La obra también evoca esculturas icónicas del minimalismo y sus respectivas relaciones complejas con la arquitectura ritualista, como la contención y apertura alternantes de las tres piezas de Richard Serra, Torqued Ellipses (Elipses torcidas, 1996–1997), que se presentaron por primera vez en Dia Chelsea hace veintiséis años; las depresiones geométricas de Michael Heizer, North, East, South, West (Norte, este, sur, oeste, 1967/2002), en exhibición permanente en Dia Beacon; y particularmente, The New York Earth Room (La sala de tierra de Nueva York, 1977) de Walter de Maria, una obra in situ permanente hecha por encargo y mantenida por Dia. Mientras que en la instalación de De Maria, un muro de cristal es lo que contiene la tierra, generando así una única vista en perspectiva al tiempo que impide que la materia orgánica suelta se derrame sobre el espacio del “espectador”, El abrazo permite el contacto inmediato del cuerpo con el material. Al momento de hacerlo, los límites entre el sujeto y el objeto se derrumban, destacando la agencia de la materia humana y la no-humana, y su potencial de reciprocidad.

En un texto que acompaña la exposición (ver “Instrucciones para tocar la tierra” al reverso de este folleto), Morelos invita a los visitantes a acariciar suavemente las superficies de El abrazo, y a notar cómo “tocar la tierra es ser tocado por ella”. La sensualidad de este encuentro se potencia por el fragante aroma que emana de la tierra, enriquecida por la artista con canela y clavo (elementos utilizados por sus propiedades naturales anti hongos), así como copaiba (el extracto de un árbol medicinal de uso común en el Amazonas), y demás aromas. En este sentido, la obra de Morelos rompe con las jerarquías sensoriales que privilegian la vista como base del conocimiento por encima de otros sentidos como el olfato y el tacto. El abrazo está hecha con arcilla de Dia Beacon, tierra de jardín reciclada, paja y fibra de coco. Concebida como un santuario para la turba, la obra utiliza materiales de origen sostenible para evocar el olor y la sensación táctil de este recurso que es tan vital como vulnerable dentro de la lucha contra el cambio climático. Las turberas son acumulaciones sensibles de materia orgánica en fermentación que tienen una eficacia única para atrapar el carbono. Al ser rica en nutrientes, la turba se utiliza como combustible para calefacción y en jardinería comercial, pero su extracción daña permanentemente las ciénagas y libera el carbono que almacenan. A pesar de que la obra de Morelos tiene la capacidad de dialogar formalmente con el legado del Land Art a partir de un lenguaje compartido de abstracción geométrica, también redirecciona las consideraciones sobre el territorio y el sitio hacia formas encarnadas de conocimiento material y ecológico. Con ello, Morelos busca cultivar momentos de conexión con lo que ella describe como “la humedad íntima de la tierra”.

—Alexis Lowry with / con Zuna Maza

An expanded version of this essay is published in Delcy Morelos, the monograph accompanying the exhibition (see below) / Una versión más extensa de este ensayo se publica en Delcy Morelos, la monografía que acompaña a la exposición (consultar a continuación).

Further reading / Material de lectura adicional

Ignacio Roca, José, and / y Alejandro Martín, eds. Delcy Morelos: color que soy (The Color I Am). Bogotá: Seguros Bolívar, 2015.

Vargas Tovar, Catalina, ed. Delcy Morelos: geografias humanas (Human Geographies). Bogotá: Fundación Gilberto Alzate Avendaño, 2015.

Méndez, Mariangela. “El cuerpo lo atraviesa todo y el cuerpo es ella. Lugar-pensamiento en la obra de Delcy Morelos” (The Body Merges with Everything and She Is the Body. Place-Thought in the Work of Delcy Morelos). In / En Proyectos 2018 (2018 Projects). Bogotá: NC-arte, 2018, pp. 174–180 and / y 190–196.

Segura, Claudia. “Enie.” In Proyectos 2018 (2018 Projects). Bogotá: NC-arte, 2018, pp. 170–171 and / y 184–185.

Foreman, Kamilah N., Alexis Lowry, and Zuna Maza, eds. Delcy Morelos. New York / Nueva York: Dia Art Foundation, forthcoming / próximamente.

1. Cielo terrenal (Earthly Heaven, 2023)
   Soil from Goshen, New York; cinnamon; clove; acrylic binder; and water on floor, wall, felt, metal, and wood, and fired ceramics / Tierra de Goshen, Nueva York; canela, clavo, aglutinante acrílico y agua sobre suelo, muro, fieltro, metal y madera, y cerámica cocida
2. El abrazo (The Embrace, 2023)
   Recycled garden soil, clay from Dia Beacon, coir, hay, cinnamon, clove, copaiba oil, Eco Tackifier, water, and fragrance / Tierra de jardín reciclada, arcilla de Dia Beacon, fibra de coco, paja, canela, clavo, aceite de copaiba, Eco Tackifier, agua y fragrancia

Instructions to touch the earth /
Instrucciones para tocar la tierra

Let the hands listen, see the smell of the earth with the fingertips, let its taste be savored by the skin.
Let the hand rise and fall, gently caressing the surface.
Earth is as fragile as we are.
If you hurt her, you hurt me, you hurt yourself.
To touch the earth is to be touched by her.

Escuchar con las manos, ver el olor de la tierra con los dedos, saborearla con la piel.
Que la mano levite y se deslice suavemente sobre la superficie.
La tierra es tan frágil como nosotros.
Si la dañas, me dañas, te dañas.
Tocar la tierra es ser tocado por ella.

—Delcy Morelos

Delcy Morelos was born in Tierralta, Colombia, in 1967. Morelos’s practice encompasses painting, installation, and sculpture. Over the last decade the artist has focused on large-scale site-specific installations, using soil, clay, natural fibers, and other organic materials. Morelos graduated from the Escuela de Bellas Artes de Cartagena in 1991. Recent solo presentations include those at NC-arte, Bogotá (2018); Röda Sten Konsthall, Gothenburg, Sweden (2018); Galería Santa Fe, Bogotá (2019); Southern Alberta Art Gallery, Lethbridge, Canada (2019); and Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2022). Recent group shows include Dum Som Jag (One as Another), Havremagasinet, Boden, Sweden (2016), and Sami Dáiddaguovddáš, Karasjok, Norway (2017); 45 Salón Nacional de Artistas: el revés de la trama (45th National Artists’ Salon: The Reverse of the Plot), Bogotá (2019); 59th Venice Biennale: The Milk of Dreams (2022); and the 5th Aichi Triennale: STILL ALIVE (2022). Her work is included in the collections of Banco de la República (Biblioteca Luis Ángel Arango); Fundación Gilberto Alzate Avendaño; Museo de Arte Moderno de Cartagena; and Museo de Arte Moderno de Bogotá. She lives in Bogotá. 

Delcy Morelos nació en Tierralta, Colombia, en 1967. Su práctica abarca la pintura, la instalación y la escultura. En la última década, la artista se ha enfocado en producir instalaciones de gran formato in situ utilizando tierra, arcilla, fibras naturales y otros materiales orgánicos. Morelos se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Cartagena en 1991. Recientemente, ha tenido presentaciones individuales de su obra en NC-arte, Bogotá (2018); Röda Sten Konsthall, Gotemburgo, Suecia (2018); Galería Santa Fe, Bogotá (2019); Southern Alberta Art Gallery, Lethbridge, Canadá (2019); y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2022). Entre sus exposiciones colectivas recientes, destacan Dum Som Jag (Uno como otro) en Havremagasinet, Boden, Suecia (2016) y Sami Dáiddaguovddáš, Karasjok, Noruega (2017); el 45º Salón Nacional de Artistas: el revés de la trama en Bogotá (2019); la 59ª Bienal de Venecia: The Milk of Dreams (La leche de los sueños, 2022); y 5ª Trienal de Aichi: STILL ALIVE (AÚN VIVO, 2022). Su obra forma parte de las colecciones del Banco de la República (Biblioteca Luis Ángel Arango), la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, el Museo de Arte Moderno de Cartagena y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Vive en Bogotá.

Delcy Morelos | September 13, 2023